Sexteto de cuerdas No1 (1860) de Johannes Brahams

Composición musical para Violín, Viola y Violoncelo. La música romántica que tan extraordinariamente se cultivo en Alemania  produjo obras de un lirismo emotivo profundo. Como si quisiera explorar toda las posibilidades de nuestra aprehensión musical. Se comprueba esta afirmación con la insistente repetición del tema musical en diferentes variaciones.

El tema que escuchamos es el segundo movimiento y una de las composiciones más conocidas de Brahmms. Su efecto tiene un sentido trágico propio de los románticos pero al mismo tiempo representa un ejemplo de equilibrio formal, notese  como un instrumento secunda al otro siguiendo rígido orden.

La música romántica de este compositor tiene otras composiciones sobresalientes sobre las tradiciones nórdicas y el norte europeo como las danzas húngaras.  

Hugo J. Robles Cosco
Historiador del Arte

Las Hébridas (1830) de Felix Mendelssohn

A pesar de ser conocida como una Obertura (composición que antecede a otra mayor), Las Hébridas, puede considerarse como una composición musical independiente.  Es un ejemplo de música romántica donde toda la fuerza compositiva recae sobre un carácter descriptivo de la naturaleza.

La descripción de Las Hebridas, islas con grutas rocosas, son en todo sentido líricos y no literales. Es decir, que son asequibles en términos evocadores y no en base a textos descriptivos como podría serlo un Poema Sinfónico. En este sentido, mas que buscar correspondencias entre la música y la naturaleza, el compositor, invita a reconocer el sentimiento que pueda provocarnos estar frente a estas majestuosas creaciones de la naturaleza.

La obra de Mendelsoohn es atrayente, sugestivo y de mucha fuerza romántica, tal vez esa sea la razón del porque su Marcha Nupcial sea su composición más popular que sigue utilizándose hasta el día hoy en las bodas.  

Hugo J. Robles Cosco
Historiador del Arte

A sangre fría (1966) de Truman Capote

Uno de los aspectos que impresiona al leer esta novela consiste en esa rara sensación morbosa por llegar al clímax de la trama. A saber los hechos que ocurrieron en la matanza de una familia de clase media norteamericana por los dos malhechores. Pues es en esa morbosidad latente en la que reside "in crescendo" la historia de la novela. ¿Una provocadora invitación a la violencia reprimida del lector medio? Si ese es el objetivo de la novela es en justa razón una voraz crítica de la violencia que Capote logra hacer participe al lector.

La historia, alternada por diferentes visiones de los personajes de la trama, logra fragmentar la narrativa de tal manera que provoca una disolución de los hechos y de los motivos reales de tan violento final. Ni siquiera al final podemos estar convencidos de las razones que se llevaron acabo. Poco importa en realidad. Y es que los asesinos, la policía, el narrador periodista se diluyen en sus conclusiones como las manchas de sangre dejada durante el crimen. Que hacen más desconcertada y atrayente la violencia.

La violencia explicita e implícita del autor y lector presupone una comunicación de una alta dosis de compatibilidad como cuando al execrar la violencia no dejamos de observarla. Este hilo conductor que Capote propone sigue siendo tan vigente en sociedades de violencias explicitas como la nuestra como de violencias implícitas como el norteamericano.

Hugo J. Robles Cosco
Historiador del Arte

Atrapado sin salida (1975) de Milos Forman

Basado en el libro "Alguien se posó sobre el nido del cuco" de Ken Kesey, el director de origen checo  Milos Forman introduce al espectador a un universo regido por la agobiante rigidez de las normas y reglas institucionales y de la necesidad de los individuos por su liberación. Pero esta individualidad latente se expresa con mayor euforia con la presencia de un nuevo integrante: un ladronzuelo acusado de violación quién llevará a partir de ese momento la batuta de la libertad y la defensa de los internos.

El enfrentamiento con la institución psiquiátrica, en el cual se encuentran los personajes, queda encarnada en la figura de una enfermera cuyos poderes se intentan doblegar. Pero como fiel encarnación del dominio y ejerciendo las facultades de defensa de la normas se torna dictatorial y espeluznante en la manera de llevar a aplacar cualquier intento de alteración de las normativas del sanatorio. Esta figura fue magistralmente interpretada en la película cuya frialdad, rigidez e hieratismo interpretativo es desde mi punto de vista una de las mejores interpretaciones que el cine nos ha ofrecido. 

En los últimos años la película ha sufrido una serie de connotaciones dado su mensaje simbólico. Algunos han querido ver una critica contra todo sistema que oprime a sus ciudadanos a las normas y reglas todopoderosas, otros, una brutal reducción del ser humano a la inconsciencia y somnolencia social, y más de uno, un severo castigo a aquellos, como el presunto violador, a las justicias encarnadas por la enfermera por el bien social.

La escena final, con todo su dramatismo, es la consecuencia de toda lucha, donde algunos caen, otros triunfan, pero la mayoría siempre gana, pues el nuevo horizonte es un nuevo comienzo.

Hugo J. Robles Cosco
Historiador del Arte

Cumbres borrascosas (1847) de Emily Brontë

Esta novela presenta dos aspectos que los críticos suelen mencionar constantemente. Primero, una narración novedosa, en la que la historia se nos presenta por una primera, segunda y tercera persona. Cada una con una versión particular de los acontecimientos familiares habitantes de dos granjas vecinas. Una de ellas llamada Cumbres borrascosas, titulo de la novela. El segundo aspecto, es la simetría de la historia narrada, dos familias, dueñas de dos granjas, cuyos padres tienen dos hijos, y cuyas historias involucran una constante enfrentamiento entre dos personajes según la naturaleza de los acontecimientos. Desde este punto de vista la estructura de la novela es muy novedosa para su época.

La historia de amor entre los personajes de Catherine y Heathcliff no es sólo una historia de encuentros y desencuentros familiares es también la apasionada relación de dos universos cuyos orígenes, principios, transformaciones y desvanecimientos son tan volubles como la propia naturaleza del entorno que envuelve el escenario de la historia.  

Hugo J. Robles Cosco

Historiador del Arte

Rebelión en la Granja (1945) de George Orwell

Se ha escrito mucho acerca de la metáfora de esta novela inglesa. Se le ha relacionado con el anticomunismo del autor, la sátira acerca del poder y el egoísmo humano. Los personajes, todos ellos animales de una granja, se rebelan contra los dueños y deciden organizarse y seguir una serie de principios que los harán libres del dominio humano, injusto y discriminatorio. Expulsado el amo se da comienzo a sus ideales de liberación que no serán concretados sino hasta que quedan escritos en un "texto". Los 7 mandamientos de los animales será la cúspide de sus anhelados logros reivindicatorios. Sin embargo, ha medida que lector sigue la trama, estos ideales van cambiando hasta convertirse en una idea totalmente opuesta a la originaria. Olvidada en la memoria de sus protagonistas y transformada en la voluntad de los que ostentan el poder.

La fábula del orden moral imperante en la naturaleza humana es tan variable como nuestra interpretación de esta obra.

Hugo J. Robles Cosco
Historiador del Arte

El último emperador (1987) de Bernardo Bertolucci

El drama histórico del personaje principal Pu Yi es narrado en una serie de etapas de su vida, desde la niñez hasta la ancianidad, en forma de biografía no siempre cronológica. El aspecto que más llama la atención de la película es el desenvolvimiento del personaje (más social que psicológica)  en medio de circunstancias que marcan la historia de la cultura China desde el fin del Imperio hasta la moderna China de Mao Tse Tung. Las primeras imágenes y secuencias de la película tienen el valor de adentrarnos por medio de una cuidada escenografía, fotografía y banda sonora a los ritos y ceremonias de una cultura milenaria y confrontar todo el artificio del poder con la ingenua y deslumbrada visión del pequeño monarca.

Los valores técnicos del film (vestuario, maquillaje) que estilizan la imagen y recrean magistralmente la reconstrucción de los hechos se sustentan en un guión que no pierde nunca de vista que el drama humano es más trascendental que el hecho histórico. En el siguiente fotograma el despliegue escenográfico no deja ser intimo por el color y la composición que aíslan al personaje principal. 

No hay en toda la película un atisbo de critica histórica sino una intensificación de las consecuencias de los actos lo que provoca nuestra interpretación del drama vívido por el personaje principal. El director no intenta reconstruir hechos sino emociones que repercuten en la vida de un personaje envuelto en los avatares de la historia. En este sentido la música de Ryuchi Sakamoto es magistral en cuanto expresa en las distintas secuencias el drama del personaje.

Hugo J. Robles Cosco
Historiador del Arte

El festín de Babette (1987) de Gabriel Axel

Una de mis películas favoritas. Creo que nunca antes en el cine, el placer de los sentidos cobró tanta importancia como tema y como expresión. El personaje principal Babette crea un festín en donde somos testigos de la creación artística en su sentido más apolíneo. Pero al mismo tiempo es una muestra de agradecimiento sincero a aquellos que merecen tal deleite.

Fiel a la tradición nórdica de pintura, esos planos del film nos recuerda los cuadros de género y bodegones como podemos apreciar en el siguiente fotograma. No es lo único. Hay todo un despliegue visual heredado del norte europeo: la intimidad de las escenas, las luces naturales y artificiales, los contrastes de luces y sombras y las composiciones de influencia pictórica. Pero no hay que engañarnos no es una película que recurra a la historia del arte para fines estéticos superficiales. La narración visual cumple su cometido para apreciar las sensaciones y percepciones de los ambientes, personajes y objetos, cada una de las cuales cumple una función preponderante a lo largo del film.

No se trata creo yo de una visión parcial de un interesado en la historia del arte como podría pensarse. Del dialogo del personaje principal brota la teoría del arte: "Por todo el mundo resuena el grito del corazón del artista, permiteme ser todo aquello de lo que soy capaz de hacer" ... Y cuando no es posible hacerlo, un comentario del espectador caritativo (solo después de probar tan suculento festín): "Tu llegarás a ser el artista que dios tenía pensado que fueras" ... refleja ese deseo comunicativo trascendental del arte y el cine.

Hugo J. Robles Cosco
Historiador del Arte